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Críticas destacadas

Hay veces en las que un título basta para describir a la obra, como es el caso de 'Cinema Paradiso', pues el cine sirve como refugio y paraíso para nuestro protagonista, Totò, un niño de un pequeño pueblo italiano tras la Segunda Guerra Mundial. Allí conocerá a Alfredo, el proyeccionista, quien le enseñará los entresijos del cine y las películas al tiempo que ambos nos llevan en un viaje a través de la juventud, la amistad, los sueños, el paso del tiempo y la nostalgia. En resumen, un viaje a través de la vida.

'Cinema Paradiso' tiene una capacidad especial para tocar algo dentro del espectador, quizás porque todos hemos sido Totò alguna vez y hemos tenido a alguien como Alfredo en nuestras vidas, y si no, seguro que quisimos tenerlo. O quizás por la acertada representación de todo aquello que fue y el tiempo dejó atrás. No sé, hay muchos motivos, pero si de algo estoy seguro es de que todo lo anterior no funcionaría tan bien sin la banda sonora de Ennio Morricone, que realizó aquí uno de sus más emotivos trabajos. A destacar el tema "Totò & Alfredo", una de esas piezas que es posible conocer sin haber visto siquiera la película.

Una carta de amor al cine y también a la vida, porque como bien cantaba Luis Eduardo Aute: "Cine, cine, cine, más cine por favor, que todo en la vida es cine y los sueños, cine son".
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Aprovecho que acaban de echarla en la televisión para rever una de las mejores películas que se han hecho sobre un drama judicial y quizás la mejor obra del gran Sidney Lumet. ‘Doce hombres sin piedad’ representa la historia de un crío de 18 años acusado de matar violentamente a su padre. El jurado compuesto por los doce hombres debe deliberar y decidir si envían al crío a la silla eléctrica o si por el contrario lo declaran inocente de los cargos. Casi todos los miembros tienen clara su culpabilidad, todos salvo uno, el jurado número 8. Un fantástico Henry fonda (en uno de los mejores papeles de su carrera) dirige, discute e intenta razonar con todos sus compañeros. Escucha sus deliberaciones e inserta la duda razonable ante la fragilidad de las pruebas planteadas, porque la duda es el único mecanismo que posee el hombre justo. El filme es un excepcional reflejo del comportamiento humano, de cómo nuestros propios prejuicios para con los demás pueden interponerse en el camino de la verdad y de cómo nuestras precipitadas decisiones pueden terminar con la vida de otra persona.
Una película por la que no pasan los años, una lección de humanidad y justicia para un mundo que carece de ambas y un ejercicio perfecto de razonamiento.
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Fichas diamanteTus críticas han recibido 100 votosTus críticas han recibido 200 votosTus críticas han recibido 400 votosVota 800 críticas de otros usuarios
Es difícil vivir cuando nadie te quiere bien. Shia Labeouf pone su infancia en pantalla a modo de purga de sus demonios internos, sacando adelante un guion durante su estancia en un centro de rehabilitación para enfrentarse a las secuelas que su padre dejó en él. En ‘Honey Boy’, Shia hace lo impensable: interpretar a su propio padre (no se me ocurre nada más complicado), un hombre violento, drogadicto, alcohólico, estafador y con un nulo sentido de la responsabilidad hacia su hijo. Ambos trabajan como dobles de cine, malviviendo en hoteles de mala muerte, viviendo con lo puesto y con la miseria por bandera. Otis no es un niño normal, Otis cuida de su padre ante el abandono de su madre. Otis es el padre y James el díscolo hijo. Pero si algo tiene de interesante la película, es que no todo es blanco o negro. Sabemos que Otis, en el futuro, está en un centro de rehabilitación para tratar el trastorno postraumático producido en su infancia, pero la dinámica que muestra con su progenitor es más que curiosa. Ambos son unos personajes complejísimos con sus luces y sus sombras, sus traumas, sus demonios sin exorcizar, ambos víctimas de la vida. Se quieren, James incluso quiere que su hijo prospere, pero no comparten una relación sana. Para muestra una de sus reflexiones que sintetiza bastante bien la dependencia que siente hacia Otis, su único medio para seguir adelante: “En el mundo real la verdad es que la madera se pudre tío, la piedra se desmorona, la gente se muere. Ese es el mundo real. Lo único que seguirá vivo serán las historias, las fábulas y los sueños […]. Tienes historias cada semana, sácalas del sobre, no me necesitas. Crea tus historias.”
James es una figura imponente, oscura, un verdugo. Y un padre jamás debería ser un verdugo. Si eso es lo único que puede ofrecer, entonces es que no es un padre de verdad. Una película dura y real, con unas actuaciones más que sobresalientes, aunque le falta bastante profundidad a esa extraña relación paternofilial.
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Dura película antibelicista que nos cuenta la historia de un soldado herido gravemente en un bombardeo de la Primera Guerra Mundial, perdiendo sus cuatro extremidades y quedando ciego, sordo y mudo. Tras ese cruel punto de partida, la película muestra la impotencia de un hombre confinado en su propio cuerpo, que anhela la muerte sin tener ya control sobre su vida y al que solo le queda la existencia pese a cuestionarse continuamente si esa palabra tiene algún sentido en su situación.

Las propias características del argumento hacen que la película se apoye en flashbacks, alucinaciones y pasajes oníricos para reflejar los sentimientos y pensamientos del protagonista, por lo que a veces puede resultar algo psicotrópica, pero en cualquier caso, sus múltiples reflexiones y su mensaje antibelicista y pro eutanasia son tan potentes que trascienden a las propias imágenes.

PD: Esta película es la que inspiró a Metallica para escribir su canción 'One', cuya letra retrata perfectamente el mensaje de la obra. El videoclip oficial incluye algunos fragmentos de la propia película, lo que disparó su fama y la elevó a film de culto 17 años después de haber sido estrenada sin pena ni gloria.
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Críticas recientes

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Completamente de acuerdo con las críticas que dicen que va de más a menos, y también con que no es tan buena como pretendían pintarla. No digo que JLo no esté bien en la película, pero de ahí a que esté de Oscar... muy discutible. Es entretenida, pero empieza mejor, con más gancho y más interesante de lo que termina siendo, va perdiendo fuerza a medida que avanza la historia de las estafadoras, o a medida que la protagonista nos la va contando, y termina resultando repetitiva e incluso pesada cuanto más se acerca el final. Lo mejor sin duda es la música, y el reparto, mayoritariamente femenino, está bastante bien, pero es muy olvidable.
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'Un lugar en el mundo' es un maravilloso drama rural que a través de su sencillez y honestidad cala hasta lo más hondo. Un reparto excelente, un guión original, buenos diálogos y mucho corazón. Aborda tantos temas que podría realizarse un buen ensayo sobre la obra, habla de las raíces, del sentido de pertenencia a un lugar, del amor, de la amistad, de la familia, de la miseria, del capitalismo, habla de la vida. En algún momento me ha recordado a esa maravillosa película de John Ford ganadora de un Oscar, ¡Qué verde era mi valle!.

Es, sin ningún ápice de duda, una obra maestra. Si no la habéis visto os la recomiendo sinceramente, y cuando la veáis creo que lo mejor que podemos hacer como espectadores afortunados por haberla conocido es recomendarla para que se siga descubriendo y no caiga en el olvido. Una de las mejores películas de habla hispana.
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"Sólo una noche" es una película perfecta para la reflexión sobre la infidelidad, desde diferentes puntos de vista, emocional y física. Nos cuenta la historia de una pareja y sus diferentes puntos de vista sobre la infidelidad.
Toda la película transcurre en una sola noche y eso la puede hacer un poco lenta, para nada pesada, pero con lo que te hace pensar merece la pena verla.
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6
Escribe 10 opiniones: +2500pEscribe 30 opiniones: +5500pEscribe 50 opiniones / críticas de peliculas o seriesTus críticas han recibido 100 votosTus críticas han recibido 200 votos
Un desastres, que desperdicio. El comienzo es fantástico, pero lo único que hace es caer y caer y caer hasta el absurdo. Parece un chiste, una película de Serie B. No la puedo recomendar a pesar de tener buenos momentos.
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Fichas rubyTus críticas han recibido 100 votosTus críticas han recibido 200 votosTus críticas han recibido 400 votosMedalla de Honor, Usuarios veteranos cuya aportación ha sido suficiente para ganarse esta distinción por el equipo de Palomitacas.
Normalmente no suelen gustarme las continuaciones de sagas solo para sacar más beneficio de ello.

Pero en diferencia de otras tantas, esta tiene su propio encanto, ya que el actor encargado de dar vida al hijo de la gran saga de Chevy Chase siempre me ha convencido para este tipo de comedia.

Lo realmente malo es el intento fallido de hacerlo lo más real a la primera película de aquella familia chiflada. Y en vez de hacer un viaje original, terminan realizando el mismo, pero con desastres diferentes, dentro de unos límites.

También, lo que beneficia a esta película, es la aparición del propio matrimonio, donde sale el personaje de Chevy Chase tan disparatado que en la propia saga. Que hace que la película juegue con la nostalgia.

Por otro lado, encontramos a nuestro querido Thor, haciendo una comedia simple, pero que como era de esperar, funciona en esta película.

Así que dentro de lo que cabe, aunque el intento de parecerse a la original es totalmente fallido, se puede ver y te echas algunas risas que otras.
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Aunque solo fuera por el mérito de pensar que el cine podría hacer reír, merece todo nuestro respeto ésta, la considerada primera comedia de la historia del cine. Una escena sencilla que, sin embargo abrió al cine a un nuevo camino.
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ha perdido la chispa de la primera
el tramo central de la peli no hace mas que marear la perdiz hasta la resolución de la trama y alarga la peli en exceso
se puede ver, pero...... no es la primera ni la mejora
igual la tercera ya nos sobra
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La trayectoria como actor, escritor y director de Max Linder pasa por varias etapas bien definidas. La primera, desarrollada en Francia, su país natal, va desde 1905 a 1916 trabajando en una larga serie de cortos de gran éxito en su país, donde se le considera una gran estrella de la pantalla. A pesar de ello, su muy traumática intervención en la Primera Guerra Mundial le dejará todo tipo de secuelas de por vida. Su segunda etapa durará unos pocos años y la lleva a cabo en dos viajes a los Estados Unidos. En el primero no fructifican una serie de cortos dirigidos e interpretados por él mismo en 1917 para la Essanay, lo que le obliga a regresar a Francia. De vuelta al país norteamericano en 1919, realiza tres largos para la United Artists, todos sobre la hora de duración, el primero de los cuales sería este "Seven Years Bad Luck". Pero así como en su primer viaje trasatlántico había sido invitado como genio indiscutible del cine cómico por la productora americana cuando los Keaton, Chaplin y Lloyd aún estaban por explotar, en esta segunda travesía, EEUU cuenta con estos nombres como auténticas realidades nacionales y el trabajo de Linder pasa casi desapercibido, obligándole a regresar a su país natal en 1922.

El genio y la vis cómica de Linder están fuera de toda duda. Hasta el propio Chaplin lo reconoció como su maestro y lo ensalzó diciendo que fue el mejor de todos los realizadores cómicos de su tiempo. "Siete años de mala suerte" está considerada por muchos como la mejor o, al menos, una de las películas más conocidas, de las dirigidas por Max Linder. Contiene al menos dos o tres secuencias antológicas. La más divertida y elaborada de ellas es la del falso espejo o espejo humano, que luego utilizarían los Hnos. Marx para su divertidísima "Sopa de ganso". Con los habituales altibajos de este tipo de películas, tan dependientes de la inventiva y originalidad de los golpes humorísticos, este título es de aquellos que deben conocerse, un "must", como también decimos ahora.
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