Críticas de Películas

Ni uno sólo de los libros de Nora Roberts tiene una adaptación a telefilm decente, aunque alguno se deja ver más gracia que otros, pero es que esta versión es infumable, no se salva absolutamente nada.

Muchos orígenes, poca historia y mínimas peleas.

Por cierto, entre los animales de la película están rulando esteroides.

¿Humanos cazando demonios? Nada parecía indicar que otra película más con dicha premisa, no especialmente innovadora ni original, fuera a convertirse en un auténtico éxito de masas, pero si algo ha demostrado ya 'K-pop Demon Hunters' es que no hay nada, ya sean entes malignos o récords de audiencia, a lo que no pueda hacer frente. Es quizás por eso que la película, más allá de haberse situado ya como la más vista en la historia del streaming, ha logrado trascender la propia barrera del k-pop, indudable catalizador de todo el fenómeno, hasta erigirse como un universal relato sobre la amistad, la importancia —y necesidad— de saber aceptarse a uno mismo y, por supuesto, el poder sanador que toda creación artística, siempre que sea capaz de despertar algo en nuestro interior, encierra consigo. La música entendida no solo como mero espectáculo, sino también como medio para verbalizar todo cuanto sentimos y forjar, en consecuencia, nuestra propia identidad. Como esa forma de catarsis personal con la que nuestras tres intrépidas protagonistas, todas ellas integrantes del grupo de k-pop HUNTR/X, tratan de proteger el mundo y salvaguardarlo, usando su voz como arma y catalizador emocional por igual, de los seres demoníacos que lo amenazan. Jamás pensé que llegaría a hacerme esta pregunta, pero... ¿podrá acaso el k-pop salvar toda nuestra realidad?

La respuesta, como no podía ser de otro modo, se va construyendo principalmente a golpe de ritmo; de melodías tan infecciosas y pegadizas como para enganchar a todos aquellos que, como el que escribe estas líneas, no teníamos ninguna afinidad previa con el género. Lejos de funcionar como simples interludios, los números musicales se integran en la propia narrativa del relato hasta volverse casi indistinguibles del mismo, acompañando el crecimiento personal de los personajes y dando forma a un conflicto que logra expresar tanto a través de la propias canciones, encabezadas por la ya archiconocida 'Golden', como, de igual modo, de sus vistosas y vertiginosas coreografías de acción. Espectáculo y emoción al servicio de una película donde absolutamente todo, desde sus geniales puntos de humor hasta la ocasional crítica hacia la industria de los idols, aunque tímida, acaba encajando a la perfección. Todo ello en apenas hora y media de puro disfrute audiovisual, tan directo como efectivo, que comienza atrayendo por el morbo de su propia viralidad y acaba atrapando por sus canciones, su explosiva animación y la fuerza de una historia que, aun sin haber inventado nada, ha logrado conquistarlo todo. Basta con ver que cada vez somos más, demonios o humanos, los que ya hemos sido cazados.

La versión de “Drácula” de Coppola es una de esas películas que entran por los ojos desde el primer momento. Arranca con un prólogo muy potente, casi operístico, que mezcla historia, religión y tragedia para explicar el origen del personaje. No está en la novela original, pero funciona muy bien para situar a este Drácula como algo más que un simple monstruo: alguien marcado por la pérdida, el dolor y una especie de condena eterna. Ese arranque, con ese imaginario tan cargado y casi blasfemo, ya deja claro que la película va a moverse en un terreno más emocional y simbólico que puramente narrativo.

A partir de ahí, la historia es conocida: el viaje de Jonathan Harker a Transilvania, el encuentro con el conde y ese vínculo inesperado con Mina, que es prácticamente el reflejo de su amor perdido. Pero lo interesante es cómo cambia el enfoque. Aquí no se trata solo de terror, sino de una historia de amor obsesiva, casi enfermiza, que lo envuelve todo. Eso le da un tono distinto, más romántico y trágico, sin perder del todo esa sensación de amenaza que siempre acompaña al personaje. Coppola convierte al vampiro en una figura marcada por la pasión y la desesperación, y eso le da bastante más peso.

Gary Oldman está sencillamente impresionante. Es el gran acierto de la película. Su Drácula cambia constantemente: anciano, joven, monstruoso, seductor… y en todas sus formas tiene muchísimo magnetismo. Se come la pantalla y consigue que incluso los momentos más excesivos funcionen. Es una interpretación con muchos matices, capaz de resultar inquietante y fascinante a la vez. Frente a él, Winona Ryder aporta esa mezcla de inocencia y atracción que necesita el personaje, y aunque Keanu Reeves no está al mismo nivel, el conjunto del reparto encaja bien dentro del tono de la película.

Coppola apuesta claramente por lo visual, y ahí es donde la película brilla de verdad. Todo está muy cuidado: decorados, vestuario, efectos… con un uso muy consciente de técnicas tradicionales que le dan un aire artesanal muy particular. La influencia del expresionismo alemán está muy presente, sobre todo en el uso de las sombras y en ciertos encuadres que recuerdan a “Nosferatu”. Hay momentos que parecen auténticos cuadros en movimiento, con una estética muy marcada que refuerza la atmósfera.

La música de Wojciech Kilar es otro de los grandes aciertos. Acompaña perfectamente ese tono casi operístico y eleva muchas escenas, aportando una carga emocional que encaja muy bien con la historia.

También es interesante cómo la película mezcla fidelidad y libertad respecto a la novela de Bram Stoker. Mantiene muchos elementos del libro, pero reinterpreta el personaje principal desde un ángulo más humano y trágico. Donde el Drácula literario es una presencia oscura y amenazante, aquí se convierte en alguien capaz de amar, lo que transforma por completo el sentido de la historia. Puede que no sea una adaptación estricta, pero sí una reinterpretación muy coherente con lo que quiere contar.

Además, la carga erótica, mucho más explícita que en la novela, encaja bien con esa visión más pasional del personaje. Todo resulta más físico, más intenso, reforzando esa idea de deseo y condena que atraviesa toda la película.

Es cierto que en algunos momentos puede resultar excesiva o algo irregular, pero incluso ahí forma parte de su identidad. Coppola no busca la contención, sino el impacto, y en la mayoría de los casos lo consigue.

“Drácula de Bram Stoker” es una película ambiciosa, visualmente deslumbrante y con una personalidad muy marcada. Una reinterpretación del mito que apuesta por el romanticismo sin renunciar al espectáculo, y que sigue destacando entre las muchas versiones del personaje.

La premisa no está mal: un publicista de agencia, acostumbrado a vivir bien, la lía con Hacienda y acaba teniendo que mudarse a un barrio que no tiene nada que ver con su mundo. Hasta ahí bien. El problema es que la película ya la has visto… solo que en francés.

Porque sí, esto es básicamente un remake de “Bienvenidos al barrio”, y se nota bastante. Más que adaptar la idea, parece que la han calcado y la han pasado por el filtro español sin complicarse demasiado. Cambia París por Madrid y arreando que es gerundio.

A partir de ahí, ya sabes exactamente por dónde va. Personajes muy de manual, situaciones que te ves venir y una historia que no se complica en ningún momento. Quiere hablar de prejuicios, pero lo hace con cuidado, sin meterse en nada incómodo.

Tiene algún momento gracioso, sobre todo cuando el protagonista intenta ubicarse en ese nuevo entorno, pero en general tira mucho de chiste fácil y clichés. Le falta mala leche, algo que le dé un poco más de personalidad.

Quim Gutiérrez cumple bien en ese papel de jefe un poco creído porque Quim es Quim, y Sara Sálamo tiene algo más de recorrido, pero el resto se queda bastante plano. Están ahí para que la historia avance, poco más.

No es una película que moleste, se ve fácil y ya está. Pero tampoco te deja nada. Termina y se queda ahí, sin más.

“Al otro barrio” entretiene lo justo, pero se queda en eso. Podía haber ido un poco más allá, pero prefiere no arriesgar y quedarse en lo cómodo.

Una película de Hallmark, así que más o menos ya sabemos a lo que venimos, pero de verdad, qué pereza de película. Empieza con dos chavales prometiéndose amor eterno en la playa… y ya sabes exactamente cómo va a acabar todo. Diez años después, ella vuelve a su pueblo, se reencuentra con su ex y listo, no hay mucho más.

Es la típica historia de siempre: el novio perfecto que claramente no lo es, el ex que sigue ahí esperando y un montón de frases sobre el amor que suenan profundas pero no dicen nada. Todo es tan obvio que no hay ni un momento en el que te sorprenda algo.

Los personajes parecen sacados de una plantilla. El ex, el prometido despistado, la amiga, el padre… todos están ahí haciendo lo que toca y ya. Y los diálogos… buf. Hay momentos que dan hasta vergüenza de lo cursis que son.

Las actuaciones tampoco ayudan. Emeraude Toubia está todo el rato igual, como enfadada o incómoda, y Tom Maden no transmite nada. No hay química entre ellos, cero.

Y dura dos horas. Dos. Para contar algo que en media hora ya lo tienes visto. Hay escenas que no aportan nada y otras que deberían emocionar pero se quedan en nada.

Eso sí, Florida es preciosa. El sol, la playa, las casas… todo muy bonito. Pero claro, eso no arregla la película.

“Amor al Sol” es eso: una historia ñoña, previsible y bastante vacía. Se ve sin hacer mucho esfuerzo… y se olvida igual de rápido. La palabra clave de esta película y de mi crítica es nada.

Vamos a empezar por lo evidente: nadie pidió esta secuela. Y, aun así, aquí está. Sin estrellas, sin carisma, sin presupuesto y sin demasiadas ganas de disimularlo. La película es básicamente lo mismo que la anterior, pero en versión barata. Agua turquesa, playas de postal, chicos con abdominales y chicas en bikini… o directamente con el pecho al aire, y encima sin tiburones. Porque sí, aquí el plan está clarísimo: cuanto menos guion, más cuerpo en pantalla. Cambian las caras, pero todo lo demás es prácticamente igual. Es como ver lo mismo otra vez, solo que con menos gracia.

El guion no tiene mucho misterio. La historia intenta mezclar otra vez tesoros, droga y problemas varios, pero todo suena a refrito. Se ve venir todo con bastante facilidad, incluido quién es el malo, que no se esfuerzan demasiado en ocultarlo. Y entre medias, conflictos que parecen sacados de un culebrón: celos, discusiones absurdas y situaciones que no hay por dónde cogerlas. Hay momentos que recuerdan más a “Los vigilantes de la playa” o “Los Serrano” en versión tropical que a una película de aventuras.

Lo peor es cómo están tratados los personajes, sobre todo ellas. Todo gira en torno a peleas, malos rollos y dramas exagerados, como si no supieran relacionarse sin montar un espectáculo. Da bastante rabia, porque al final quedan reducidas a eso, mientras la película se recrea constantemente en enseñar cuerpos como si ese fuera el verdadero atractivo.

El director aquí ya ni disimula. Más que una película, parece que esté rodando un anuncio largo de verano: sol, cuerpos perfectos, agua cristalina… y una historia que da exactamente igual. La parte de buceo y aventura queda en segundo plano, casi como excusa para enlazar una escena con otra.

Las actuaciones tampoco ayudan mucho. Hay bastante sobreactuación, diálogos flojos y momentos que rozan lo ridículo. Cuesta entrar en la película porque todo suena artificial, como si nadie se creyera demasiado lo que está pasando.

“Inmersión Letal 2” es eso: una excusa para enseñar cuerpos, meter cuatro tópicos y tirar para adelante. Si buscas una película, aquí no la vas a encontrar. Si lo que quieres es ver chicas en tetas con una historia de fondo que no importa… entonces sí, cumple.

F1 es una buena película que reúne a grandes nombres, en la dirección Joseph Kosinski, el genio tras Top Gun: Maverick. Actores, Brad Pitt, Damson Idris, Kerry Condon y Javier Bardem. Producción, Jerry Bruckheimer y el mismísimo Lewis Hamilton. La trama nos presenta a Sonny Hayes (Brad Pitt), un piloto de Fórmula 1 que se retiró en los años 90 tras un accidente devastador. Décadas después, el dueño de una escudería en apuros (Javier Bardem) lo convence para volver al asfalto en el equipo APXGP. Su misión no es solo ganar, sino servir de mentor a Joshua "Noah" Pearce (Damson Idris), un joven talento. La historia sigue la estructura mil veces repetida de mentor-alumno, no reinventa la rueda (chiste fácil). El sonido es brutal y tiene un buen ritmo. Una buena y entretenida película.

Lo primero que tengo que mencionar es sin duda la vergonzosa traducción porque Red Sonja es una mujer pero se ve que al traducirlo al español pensaron que no era posible y le pusieron "El guerrero rojo", con dos cojones. Ni se preocuparon en buscar nada de la peli o de quién era ella, vieron a Schwarzenegger y dijeron ah sí, debe ser este tío el Red Sonja ese. Y a tomar por culo.

La peli es una adaptación del personaje de espada y brujería Red Sonja, que se encuadra dentro del universo de Conan aunque creo que tiene varias versiones. Lo gracioso es que Conan sale (o sea Schwarzenegger) porque es como un spinoff de sus otras 2 pelis de Conan, pero le ponen otro nombre. No entendía el motivo así que lo busqué y leí que era porque no tenían los derechos del nombre para esta peli o algo así. Pues bueno, qué cutrada. El caso es que con Brigitte Nielsen siguieron la misma decisión de casting que con Arnold priorizando looks a habilidad interpretativa y creo que no les sale tan bien. A Nielsen le falta cierta presencia y joer, muscula algo esos brazos si vas a hacer este personaje, que es imposible imaginar que con eso levantas semejante espada, chiquilla.

Tiene bastante mala reputación, pero no me parece que en conjunto sea mucho peor a Conan, el Destructor (aunque Conan, el Bárbaro siempre es la que estará por encima de todas). Es un filme de espada y brujería pulp, es decir, poco realista, arquetípico, inflado de testosterona y peleas, hechicería y artefactos mágicos. ¿Pero y qué? Es un subgénero "malo" y lo abrazamos como tal. Lo mejor de la película vuelve a ser la ambientación y las escenografías, es la era del cine fantástico que te hace suspirar por esas localizaciones reales y construcción de sets frente al actual dominio de la green screen y el CGI. Por favor, volvamos a esto.

Las interpretaciones de Conan y Red Sonja son flojitas (lógico) y su esperable romance la antiquímica (aunque esto no sorprende porque tiende a ser un género muy dirigido al consumo masculino). El niño príncipe es sorprendentemente una de las mejores actuaciones de la peli, el chavalín tiene desparpajo y es gracioso ver sus movimientos luchando son mejores que los de les adultes. La villana está correcta, interpretada por cierto por la misma actriz que hacía de Valeria en la primera película de Conan.

En general, es un cine de evasión al que tampoco se le puede pedir mucho. Está pa lo que está y con eso me vale.