Críticas de Películas

La primera fue un clásico de culto, la segunda una comedia para todos los públicos y esta tercera es una película romántica.

Una vez más, tenemos a los militares liándola. Después de tantos incidentes con el Trioxin, el ejército debería cuidar mejor esos barriles tóxicos que hacen que la gente reviva, porque vaya tela que la peña ande como Pedro por su casa en una base militar donde hacen experimentos.

Aquí ya no nos vamos a encontrar los momentos divertidos de las dos primeras, esta tercera parte es más seria y gore, sin los típicos zombies que pueden razonar y van pidiendo cerebros, yo creo, que en gran medida gracias a la labor de Brian Yuzna en la dirección, no solo porque es más oscura que la segunda, si no por esas modificaciones corporales muy de Reanimator. Los efectos siguen destacando, con unos efectos artesanales y maquillaje muy currados.

Y aunque pierde el encanto de la primera, gana en tensión y supera a la segunda, pero siendo esta la trilogía original, aquí me planto y dejo las dos que faltan, que tienen fama de ser bastante malas, para otros valientes.

Aunque solemos pensar en la fantasía como una mera forma de evasión, hay ocasiones en las que todo ese desborde de creatividad funciona, a su vez, como un espejo deformado de nuestra propia realidad. Como ese mágico reflejo concebido a modo de refugio personal, casi onírico por momentos, donde poder hacer frente a los horrores que nos rodean y en el que nuestros más atávicos temores, ahora reconvertidos en criaturas de pesadilla, acaban perdidos entre los retorcidos pasillos que van dando forma, sin tan siquiera darnos cuenta, a los cimientos mismos de la propia mente. Laberintos a lo más profundo del ser cuyos infinitos caminos, aquí dibujados sobre las heridas todavía abiertas de la posguerra española, se irán ramificando hasta germinar, como si de una semilla creciendo entre zarzas se tratase, en el siniestro imaginario creado por la pequeña Ofelia, una joven amante de la lectura que, incapaz de lidiar con la crueldad del mundo que la rodea, preferirá entregarse, a cambio, a aquel que tan solo sus libros de cuentos son capaces de ofrecerle.

Guillermo del Toro, firmando su, para muchos, obra maestra absoluta, utilizaba todo ese poso literario, digno heredero del tétrico universo de los hermanos Grimm, para acercarnos a su particular visión de las dos Españas. Una llena de simbolismos, envuelta en un evocador manto de oscuro lirismo y donde toda la potencia pictórica de su fabuloso diseño de producción, claramente inspirado por las pinturas negras de Goya, no hacía sino reafirmar ese aura tan especial que la película, inyectando ciertos tintes de terror entre continuas capas de realismo mágico, se encargaba de infundir a su descarnado retrato de posguerra. También algo maniqueísta, quizás, en su representación de malos malísimos y buenos intachables sin apenas matices ni profundidad, aunque coherente con ese aire de fábula clásica, tan cargada de inocencia como de crudeza, que parece transportarnos a ese deslumbrante reino de los sueños, no tan alejado del nuestro, donde la imaginación manda, las cicatrices sanan y los verdaderos monstruos son, como siempre, aquellos que nos traemos del mundo real.

Bueno, es de esas veces que mientras ves una película, tu yo interior se va haciendo cada vez más pequeño ante las situaciones, problemas que van desarrollándose en la historia, una historia llena de drama, crueldad, dureza y una vez que finaliza y entras en esta página, realmente no sabes que escribir.

La historia te hace recapacitar de alguna manera, pensar en tus insignificantes problemas del día a día comparado con lo que te plasman de una forma tan abrupta, llena de una falta de caridad, en la que si en algún momento alguien puede echarte una mano, sin embargo, parece que se multiplican los que te hunden más abajo en un pozo de difícil salida.

Lo mejor de ella es la relación de los personajes, como bien se expone, sin ellos saberlo se necesitaban, un "buen" ejemplo de una relación en la que cuando una de las partes cojea, necesita el apoyo de la otra, que le sostenga y viceversa.

Es una película de difícil visionado, me explico, no es la ideal que buscas para pasar la tarde o echar un buen rato, todo lo contrario, es de esas veces que tienes que tener ganas de verla de antemano sabiendo que será complicado pero que puede que te merezca la pena de ver.

Tiene algunas cosas que mejorar como esas formas de pasar de unos momentos a otros, digamos esas transiciones. Y puede pecar en algún momento de previsible a repetir un determinado patrón.

Buena química por parte de los actores principales, un buen Anthony Mackie, y que decir de la preciosa Jennifer Connelly, un gran y duro trabajo.

Segunda entrega de Misión imposible, lo cierto que esta segunda parte es inferior a la primera y esa recreación de la cultura española y de la Semana Santa andaluza en particular es para echarles de comer aparte.

Por lo demás, sigue con sus escenas de acción que es lo que buscas en este tipo de pelis.

Uno de esos "clásicos modernos" para los amantes de la acción y las pelis de espías.

El inicio de la saga de misión imposible es una peli bastante entretenida con sus escenas de acción y giros de guion y sobre todo una mítica banda sonora que ya es historia del cine.

Se nota ya los años que tiene aunque no ha envejecido del todo mal.

Superman, The Underground World es uno de los últimos cortos animados de Superman producidos por los estudios Fleischer/Famous, y no es de los mejores. En este caso se trata de una aventura subterránea que combina misterio y acción, pero está vez no hay tanta acción. El Profesor Henderson quiere explorar unas misteriosas cavernas donde su padre desapareció, descubre una civilización subterránea oculta y cuando las cosas se salen de control, Lois, como es costumbre, termina en peligro, y Superman debe intervenir. Todo sucede muy rápido, no hay mucho desarrollo. Un poco simple.

Todo muy previsible, sabes lo que va a pasar seguro, pero se deja ver.

Can-Can es una película musical de 1960 dirigida por Walter Lang y protagonizada por Shirley MacLaine. Una adaptación del musical de Broadway escrito por Cole Porter, este largometraje nos transporta al París fantástico de la Belle Époque, donde el cancán electrizaba los cabarets y escandalizaba a los santurrones. Simone Pistache ( Shirley MacLaine), es una mujer independiente y atrevida que regenta un cabaret donde se baila el cancán, a pesar de la prohibición legal. Simone llena de vida y carácter lucha por defender su derecho a la libertad artística. Pronto se encuentra en el centro de un triángulo amoroso entre un abogado permisivo (Frank Sinatra) y un juez moralista (Louis Jourdan). Este punto de partida proporciona un pretexto ideal para una serie de espectaculares escenas de baile, números musicales y tensión romántica al estilo de los años 60. Shirley MacLaine brilla en este papel. Aporta a Simone una energía chispeante, vulnerabilidad y una presencia escénica innegable. Su alegría interpretativa y su facilidad para los musicales es de alabar (aunque es igual que muchos de los que interpretaba en la época), incluso cuando el guión se vuelve previsible. Junto a ella, Frank Sinatra actúa con su encanto habitual, aunque a veces en un segundo plano, mientras que Louis Jourdan interpreta a un ambiguo antagonista con una elegancia fría típicamente francesa. La reconstrucción del París de la Belle Époque está muy estilizada, con decorados y vestuario llamativos. Las coreografías también están muy cuidadas. Aun así, en ocasiones el guión carece de profundidad y la trama da vueltas sobre sí misma. El romance es convencional, los conflictos morales están tratados de forma bastante simplista. La música de Cole Porter, merece un apartado especial porque es lo mejor de la película, aunque modificada para la película, conserva cierta chispa de Broadway. Hay melodías pegadizas como «I Love Paris». En definitiva, Can-Can es un entretenimiento agradable, apoyado en la radiante interpretación de Shirley MacLaine, pero no siempre consigue ir más allá del simple marco de un musical clásico de Hollywood.

Séptima entrega de esta saga que no tiene visos de que la den fin o eso parece. Esta entrega es es la continuación de la anterior película de la saga, donde la protagonista Nica, interpretada por Fiona Dourif, queda recluida en un manicomio y aquí es donde se desarrollará toda la trama, al igual que pasó en la anterior película, los tonos de humor han desaparecido por completo, desarrollándose con un tono más serio y buscando más el terror que una comedia terrorífica. En esta ocasión se le va a dar una vuelta de tuerca más al argumento, haciendo que la historia sea mucho más paranoica. ¿Qué es real? ¿Cuántos Chuckys hay? El director Don Mancini jugará con la locura de estar en un manicomio para confundir al espectador y no saber si todo son alucinaciones de los internos o todo lo que ocurre es real.

Mejora a la anterior (que para mí es la peor de la saga), no era difícil, pero tampoco es que sea especialmente divertida, las muertes son mucho mejores que la anterior película y tiene también otro aspecto curioso los diferentes Chuckys, cada uno con un peinado diferente, le da al muñeco tu toque personal .

Las interpretaciones son correctas, nada del otro mundo y aparece también en esta película el actor Alex Vicent que da vida a Andy Barclay ya adulto, aparece bastante poco en la trama, menos de lo que me gustaría, casi se puede decir que es un cameo y eso que parece que va a ser medianamente importante en la historia. Con respecto al ritmo es el adecuado y la ambientación la típica de estos sitios, típico manicomio con todas las salas blancas, hay poca oscuridad y se va buscando más estar a medio camino entre el realismo y la paranoia como he comentado, todo correcto, ni está por debajo de lo esperado ni se le puede pedir mucho más.

Es difícil estirar un chicle donde está ya prácticamente todo contado, es alargar por alargar, no sé si habrá otra película más o se va a quedar la cosa aquí, pero no estaría de más que supieran darle fin a una saga que en general ha gustado a muchos, en el que me incluyo.

Si eres fan de la saga se puede ver, me da la sensación que las dos últimas van con un tufillo de decadencia evidente, que todo lo que se haga va a ir a peor y que poco nos va a sorprender la historia ya, por eso no estaría de más que se le dé un final digno al muñeco, nuestro querido Chupi, perdón Chucky, porque seguramente más pronto que tarde harán un remake de la primera película que ha saber como queda…

Así me la ha contado mi portera
Mandan a un noble que no parece haber comido nunca en un hindú a poner orden en la India. Llega con cara de esto lo arreglo yo antés del té, pero se le indigesta la samosa. Y es que por muy noble que uno sea, siempre hay un político que va por delante. Y luego están los del pueblo, que si soy hindú, que si soy musulmán, y ¿tú de quién eres? Pues no han leido Romeo y Julieta y claro, tu a Bostón y yo a California, verisón Karachi-Nueva Delhi. Luego se arma mucho lio y te hartas a llorar hasta con los títulos de crédito.
sto no es un análisis sesudo… pero:Se le pueden poner pocos peros a esta producción que, se nota, está hecha con mucho corazón y también presupuesto. Equilibra muy bien la historia real de la creación de Pakistán e India, con los hilos enredados bajo la superficie (este Churchill es la demostración de lo importante que es tener buena prensa, porque las lió pardas... menos mal que no había redes sociales) y los dramas humanos que esas decisiones desencadenaron. No es complaciente con el colonialismo, pero tampoco se ceba. Gurinder Chadha era la persona idónea para este proyecto, por su implicación personal y porque sus películas previas han demostrado que sabe tocar al espectador.
La película cuenta con un puñado de solventes actores británicos (incluida Gillian Anderson, medio inglesa que puede ser de donde le dé la gana) y actores indios (de nacimiento o de origen).
El resultado me ha parecido muy recomendable: esclarecedor históricamente y emotivo a nivel humano, perdonándole ciertas licencias dramáticas que pueden parecer demasiado prefabricadas.
Recomendaciones del gato:
✅ Te gustaría si
✅ Te interesan los romances en tiempos revueltos
✅ No te importa aprender historia mientras echas una lagrimita
✅ Tienes debilidad por los uniformes británicos, aunque sepas que vienen con imperialismo de serie.
❌ Huye si...
❌ Te molesta el exceso de soluciones pensadas para emocionarte
❌ Estás cansado de producciones británicas que se miran al ombligo con orquesta de fondo.
❌ Piensas que las historias de amor durante guerras son un cliché demasiado recurrente.

Era una película a la que le tenía ganas, y no ha defraudado, es muy entretenida, con buenas tramas, traiciones, personajes potentes, y actorazos.

Nada más iniciarse, la BSO te mete de lleno en la película, por cierto, me encanta la BSO que tiene. Después tenemos a personajes buenísimos como la protagonista Jackie Brown (Pam Grier), Ordell Robbie (Samuel L. Jackson) o Max Cherry (Robert Foster).

Me encanta el personaje de Jackien Brown, mujer fuerte, dura, e inteligente. Sabe en quién confiar y en quien no, y juega con el resto.

En cuanto a los actores, Samuel L Jackson es el mejor sin duda, Robert De Niro tiene poco protagonismo, pero cuando lanza las miradas muestra la clase que tiene, Robert Forster es la calma, la tranquilidad, me encanta como hace su personaje, Michael Keaton está bien, cumple con su cometido, y Pam Grier, a pesar de ser la protagonista es la que menos me gusta.

Es una película muy entretenida, con más de un bando enfrentado, con juegos para salirse con la suya, con un humor muy de Tarantino, con un reparto espectacular, y con un final un tanto agridulce para dos de los protagonistas, lo que posiblemente redondee la película, un final "a lo Casablanca".

Sexta entrega de la saga del muñeco más sanguinario del cine, tienes que esperar hasta el final de la cinta para encajarla en la saga, que sin duda el final es lo mejor de la película de largo porque todo lo anterior no me ha gustado nada, empiezas a verla y no le ves el sentido hasta que llega el final.

Han quitado el humor de en medio, un tijeretazo en toda regla, pero a cambio han intentado volver al tono de la primera película con un Chupi, perdón Chucky, sanguinario, asesino en serie, psicópata, pero en ningún momento ha dado sensación de terror, ni de tensión, todo muy lineal, sin ninguna sorpresa, ninguna muerte llamativa, poca sangre y lo peor de todo con diferencia, es el aspecto de Chucky, una cagada con todas sus mayúsculas, dulcificando en exceso el aspecto del muñeco. Y para más inri es la única película de la saga hasta ahora que me ha aburrido.

Es verdad que la historia la encajas al final y cierra el círculo de Charles Lee Ray o Chucky pero todo lo anterior está muy por debajo de lo esperado, un volantazo a la saga que no le ha beneficiado.

Con respecto a las interpretaciones ninguna me ha llegado, se pueden catalogar de flojas tirando a malas, parece en muchos momentos una película de serie B de las malas.
Por otro lado, la ambientación es buena, en un casoplón antiguo en medio de una tormenta, típico de las películas de terror, cliché de los típicos, pero buscando un tono más tenebroso.

No sé cómo se tomarán los amantes de esta saga esta película, a mí me ha decepcionado y solo la recomendaría porque a nivel de historia es cerrar el círculo, si no, sería una película totalmente prescindible.

En definitiva, un bajón inesperado, que como se suele decir lo que funciona mejor que no se toque, aunque seguramente que han buscado un cambio y si no arriesgas no ganas, pero en este sentido han perdido más que ganado.

P.D. Hay una escena post créditos con sorpresa, solo diré que aparece el actor Alex Vicent, sí, el actor que interpretaba al pequeño Andy Barclay, que tan bien lo hizo en la primera película, gran cameo.

Alguien voló sobre el nido del cuco es de esas películas que te agarra del cuello y no te suelta hasta el último fotograma. Desde el primer momento, sientes cómo la atmósfera te envuelve con su olor a recelo y pinceladas de humor negro. Nicholson se sale como McMurphy: un tipo carismático, con cojones y con más giros inesperados que una montaña rusa. Es imposible no engancharse a su energía contagiosa cada vez que aparece en pantalla, retando las normas con una sonrisa pícara que se clava directo al hueso.

Y luego está la enfermera Ratched, interpretada por Louise Fletcher, que es pura sofisticación retorcida. Esa forma tan fría de mandar y manipular lo convierte en un personaje con un poso de tensión constante. Cada plano en el que aparece te hace contener la respiración, porque sabes que algo oscuro está a punto de suceder. Cuando McMurphy y ella chocan, el choque no es solo físico o verbal, sino una lucha de voluntades que te mete de lleno en la vorágine psicológica.

El resto del reparto, con el jefe Bromden al frente, aporta un contrapunto humano brutal. Ver cómo estos personajes, con sus propias cargas emocionales, van formando una comunidad sobrecogedora es de lo mejor de la peli. Esa idea de que la locura, en ocasiones, es más una etiqueta social que una realidad, te deja dándole vueltas al coco mucho tiempo después de apagar la pantalla.

Forman domina el espacio como pocos: esos pasillos y salas blancas, casi hospitalarias, se transforman en una cárcel mental, donde cualquier acto de rebeldía brilla con luz propia. Y la cámara de Wexler sabe cuándo acercarse al gesto más sutil y cuándo abrirse para mostrar la inmensidad del encierro. La banda sonora acompaña sin estridencias, subrayando cada momento de esperanza o abatimiento sin armar ruido.

Alguien voló sobre el nido del cuco es un torpedo emocional que equilibra poderosos discursos sobre autoridad y libertad con momentos de humor ácido y camaradería inesperada. Una obra que, aunque rodada hace décadas, sigue presentando un espejo brutal sobre cómo funcionan las estructuras de poder y sobre el valor de plantarse y gritar “¡hasta aquí!”.

Ver El Padrino es como abrir una puerta a otro mundo, uno oscuro, elegante y completamente absorbente. La primera vez que la vi entendí por qué es una de esas pelis que casi todo el mundo tiene en su top. No es solo por la historia —que es buenísima— sino por cómo está contada. Hay una calma tensa en cada escena, como si todo estuviera a punto de explotar, y eso te mantiene pegado a la pantalla de principio a fin.

Marlon Brando está que se sale, pero lo de Al Pacino es de otro nivel. Me flipa cómo va cambiando poco a poco, sin que te des cuenta, hasta que ya no queda rastro del chaval inocente del principio. El ritmo no es rápido, pero no le hace falta. Cada silencio, cada mirada, cada frase tiene peso. Es una peli que no subestima al espectador, te deja respirar y pensar.

La estética es increíble. Todo está medido: la luz, el vestuario, la música. Esa banda sonora es de las que se te mete dentro y no se te olvida. Y aunque la historia va de mafias, lo que realmente te atrapa es lo humano: las decisiones, los dilemas morales, las relaciones familiares. No hay personajes planos, todos tienen capas.

Es una peli que hay que ver con calma, sin prisas, porque no solo te cuenta algo, te lo hace sentir. Es de esas cintas que cuando terminan, te dejan dándole vueltas durante días. Y cada vez que la vuelves a ver, descubres algo nuevo.

Una peli que, si la ves con calma, te remueve más de lo que esperas. Puede parecer sencilla o incluso algo idealista, pero debajo de esa historia de profesor y alumnos difíciles hay algo mucho más potente: el valor del respeto, de la paciencia y de ver más allá de la fachada. Sidney Poitier está impecable, no solo por su elegancia innata, sino porque consigue transmitir autoridad sin imponerse, cariño sin blandenguería, y firmeza sin caer en lo paternalista. Su personaje no se dedica a gritar ni a castigar; simplemente se gana a los alumnos tratándolos como personas, y eso, sinceramente, es revolucionario incluso a día de hoy.

El enfoque no es nada sensacionalista. No se busca dramatismo barato, ni golpes de efecto. Es todo muy humano, muy cotidiano, y eso hace que duela más cuando ves ciertos gestos o actitudes de los chavales. Además, me encantó que la historia no se quede solo en el aula. Se habla también de clase social, de frustraciones personales, de límites autoimpuestos. Y esa mezcla de realismo social con ternura me parece que está súper bien conseguida.

La canción principal de Lulu es un broche precioso. Es una carta de despedida emocional sin caer en lo cursi. Todo encaja con un tono elegante y sobrio, muy años 60 pero muy vigente. No es una peli perfecta, pero sí una de esas que te dejan poso. Y, sinceramente, eso es lo que yo busco en el cine.

Desde el primer plano helado hasta el último acorde de la banda sonora, Doctor Zhivago te atrapa con una intensidad que pocos épicos alcanzan hoy en día. Lo que más me flipa es cómo Lean combina esos paisajes inmensos—con montañas nevadas y llanuras tan anchas que parecen no tener fin—con planos intimistas que te meten de lleno en el drama personal de Yuri y Lara. Omar Sharif, con esa mirada melancólica, se convierte en un héroe romántico imperfecto que sufre cada paso de la revolución igual que sus habitantes; y Julie Christie, que irrumpió en pantalla con una fragilidad poderosa, resulta mucho más que la clásica dama en apuros.

La película no es sólo un culebrón histórico: la evolución de personajes como Pasha (Tom Courtenay, brutal), es quizá el giro más estimulante. Ver cómo pasa de idealista soft a líder implacable refleja las contradicciones de toda una época. Y evocar esa transformación en poco más de dos horas y media no es fácil, pero el guion esquiva lo panfletario para mostrar fisuras humanas: los amores prohibidos, las traiciones familiares y la tensión de los ideales que se tuercen.

La música de Maurice Jarre merece mención aparte: ese tema principal con balalaika se te queda en la cabeza y se funde con cada escena, desde la nieve blanca hasta los amortiguados crujidos de los trenes. Y hablando de trenes, ¿quién no recuerda la secuencia en el convoy? Ese crescendo visual y sonoro encarna la película: épica pero sin renunciar a la emoción pura.

A nivel visual, la producción es apabullante. Aunque rodear España de extras para simular Moscú puede parecer arriesgado, funcionan las localizaciones en Soria o Burgos: la nieve y los decorados comunican el frío del paisaje y el frío del alma revolucionaria. Detalles como los uniformes, los trolebuses, los edificios medio derruidos… todo contribuye a recrear un mundo a punto de estallar, donde cualquier chispa puede prender la mecha de la historia.

Merlín el Encantador es una de esas pelis que muchos vimos de pequeños sin prestar demasiada atención, pero que cuando la vuelves a ver de adulta te das cuenta de que tiene bastante más chicha de lo que parece. Es verdad que no es tan impactante como las grandes joyas de la época dorada de Disney, pero tiene un encanto muy especial y un estilo que la hace única.

La animación tiene ese aire clásico y artesanal de los 60, con líneas sueltas y fondos pintados a mano que le dan un toque súper cálido. Los personajes son entrañables, en especial Merlín, que se sale por completo del típico estereotipo de “sabio”. Es excéntrico, despistado, y a la vez muy lúcido. Arquímides, su búho cascarrabias, se convierte sin querer en uno de los personajes más divertidos de toda la peli.

Lo mejor para mí es cómo mezcla el humor con lecciones bastante profundas sin ponerse pesada. A través de las transformaciones y las situaciones absurdas, te va colando ideas sobre la importancia del conocimiento, la adaptabilidad, el carácter... Y todo sin moralinas ni grandes discursos.

También tiene una escena mítica de magia que es de las más creativas que ha hecho Disney. La música acompaña bien, aunque no es especialmente memorable, y el ritmo en general es ágil. No dura demasiado, cosa que se agradece.

No es perfecta, pero sí muy especial. Y desde luego, merece mucho más cariño del que suele recibir.

Si algo me flipa de Desayuno con diamantes es cómo Billy Wilder convierte un simple arranque de comedia romántica en un retrato atemporal de la soledad urbana. Audrey Hepburn encarna a Holly con una mezcla de ligereza y misterio que te atrapa desde el primer plano: ese vestido negro, la boina ladeada y la sonrisa pícara esconden a una mujer que se cree a salvo de cualquier atadura, pero que vive aferrada a un anhelo de pertenencia.

Por otro lado, George Peppard es ese Paul Varjak un poco despistado, con su libreta de notas arrugada y el aire de artista maldito. Al principio parece el turista despistado en la fiesta de otra persona, pero poco a poco – entre sorbos de champagne y paseos en taxi– se va despojando de su cinismo. Lo mejor es cómo la química entre ellos no juega solo al típico tira y afloja de la comedia de los sesenta, sino que destila una ternura muy contemporánea: no hay declaraciones altisonantes, sino miradas cómplices y silencios que hablan más que mil palabras.

La Quinta Avenida y los callejones de Manhattan se convierten en un personaje más, con sus escaparates pulsantes y sus esquinas solitarias. La banda sonora de Mancini añade un contrapunto melancólico, como si el propio soundtrack fuese el reflejo de esos “Mean Reds” que acechan a Holly: esos momentos de angustia que a veces llamamos melancolía urbana.

Me encanta que la película no tenga prisas en mostrar el trasfondo de cada uno: va dosificando pistas, pequeños detalles –la foto del hermano, la libreta de Paul–, que construyen dos universos internos sin caer en la sobreexplicación. Y, sin spoilers, digamos que el clímax no te lo esperas y te hace replantearte qué significa realmente buscar la felicidad.

Y sin cerrar telón ni soltar perorata final, Desayuno con diamantes es un viaje entre escaparates de lujo y recovecos emocionales, donde el glamour convive con la fragilidad y dos almas solitarias encuentran, quizá, la chispa que les faltaba para seguir adelante.