Dirigida, guionizada y protagonizada por el cómico Seth Rogen, "This Is the End" es una comedia absurda y apocalíptica que, lejos de tomarse en serio el fin del mundo, decide reírse de él… y de paso, de Hollywood y sus celebrities.

Todo empieza cuando un grupo de actores, que se interpretan a sí mismo, celebran una fiesta en la casa del actor James Franco, y quedan atrapados en ella durante el Apocalipsis. Lo que sigue es una sucesión de bromas escatológicas, cameos delirantes, discusiones sobre quién se come los cereales y, por supuesto, el momento en que Emma Watson los atraca con un hacha. ¿El guion? Bueno, existe, pero claramente fue escrito entre porros, improvisaciones y algún tipo de licor espirituoso. Aun así, funciona, porque no intenta engañar a nadie: *This Is the End* es puro caos autoconsciente, y en eso está su encanto.

El reparto es una fiesta de amigos de Seth Rogen: James Franco, Jonah Hill, Jay Baruchel, Craig Robinson y Danny McBride, quienes se entregan al desastre con entusiasmo, y cuanto más patéticos se muestran, más te ríes.

"This Is the End" es una comedia absurda a medida de Seth Rogen. Si te gusta él, te gustará la película.

El director noruego Roar Uthaug ("Tomb Raider", "Troll") firma "Bølgen" ("La ola"), un thriller de catástrofes ambientado en el fiordo noruego de Geiranger.

La película se basa en el posible desprendimiento de una montaña que generaría un tsunami devastador en una zona turística de Noruega. Es una cinta de cine de desastres que intenta ser la entrada del cine escandinavo en un terreno más comercial, sin renunciar a su identidad. A mí, la verdad, me ha dejado bastante indiferente. De intriga tiene más bien poco. La calificaría como entretenida y predecible.

Lo que sí destacaría son sus efectos visuales, sobre todo teniendo en cuenta su modesto presupuesto. La recreación del tsunami está perfectamente integrada.

"Bølgen" es una película correcta dentro del género de catástrofes, sin arriesgarse demasiado en su desarrollo narrativo.

El director chino Frant Gwo adapta "La Tierra Errante" ("流浪地球"), una superproducción de ciencia ficción basada en el relato homónimo de Liu Cixin, autor de la trilogía "El problema de los tres cuerpos". Toda una película épica cuyo éxito no solo encumbró la carrera del joven y novel Gwo, sino que marcó un antes y un después en la historia del cine chino y su internacionalización.

En "La Tierra Errante" seguimos las aventuras de los últimos supervivientes del planeta, que intentan convertir la Tierra en una nave y salir del sistema solar huyendo del Sol. Lo que más me gustó es que no se centra solo en ofrecer grandes efectos visuales, sino que aporta emoción, tensión y épica, con un guion bastante decente que casi me hace olvidar el exceso de patriotismo y propaganda, y la falta de profundidad en los personajes secundarios.

Volviendo al apartado técnico, la dirección artística, los efectos visuales y la ambientación logran un resultado sorprendente para una producción china de este tipo. La banda sonora también está a la altura, con composiciones que engrandecen los momentos más épicos.

Así, asumiendo que "La Tierra Errante" tiene mucho de producción comercial y patriótica, también es una película llena de emoción, espectáculo y visualmente espectacular. Ideal para verla con palomitas. Si te gustó, prepárate para ver la trilogía.

----------------------------------------

* ¿Qué es lo que más te ha gustado?
Los escenarios visualmente increíbles

* ¿Qué es lo que menos te ha gustado?
La propaganda patriótica siempre presente

* ¿Qué título alternativo le pondrías?
"Planeta a la fuga"

Junta Yamaguchi da el salto del teatro al cine debutando en la dirección de "Más allá de los dos minutos infinitos" (ドロステのはてで僕ら), una original comedia de ciencia ficción.

En "Más allá de los dos minutos infinito", un hombre descubre que su ordenador, en su apartamento, y el de su cafetería, justo debajo, están conectados por una diferencia temporal de dos minutos. A partir de ahí, se desencadena una comedia que juega con bucles temporales y paradojas temporales, con una trama ligera y entretenida. Un guion muy bien elaborado hace que la historia te atrape, sin necesidad de efectos especiales ni sesudas teorías cuánticas. Todo fluye con ritmo y humor, haciendo que entres en el juego temporal casi como un personaje más.

Lo más destacable es cómo logra que toda la película se vea como un plano secuencia. Rodada con cámara en mano y sin cortes aparentes, consigue una sensación de inmediatez y continuidad que potencia el caos creciente de la historia. Lo sorprendente es que todo fue grabado con un presupuesto ínfimo, en un solo edificio, y por un equipo mínimo formado por miembros del colectivo teatral Europe Kikaku. De hecho, los actores no son profesionales del cine, sino integrantes de esa compañía, lo que aporta naturalidad. Rodada en solo siete días, requirió semanas de ensayos coreografiados para lograr la fluidez que se aprecia en pantalla.

Después de ver "Más allá de los dos minutos infinitos" me quedé unos minutos procesando lo que acababa de ver. Una vez digerido, me hice fan de Yamaguchi. Me parece una joya minimalista y entrañable, y si a ti también te ha gustado, te recomiendo seguirle la pista. Su segunda película, "Atrapados en un bucle infinito", es otra obra maestra de los bucles temporales.

----------------------------------------

* ¿Qué es lo que más te ha gustado?
La capacidad que tiene para atraerte y atraparte

* ¿Qué es lo que menos te ha gustado?
La comedia peca de absurda en varios momentos

* ¿Qué título alternativo le pondrías?
"El Café del Tiempo: Una Historia de Amor a Dos Minutos Vista"

Antes de hablar de la película, hay que conocer a su director, Roger Corman, uno de los grandes del cine de serie B clásico, fallecido recientemente con casi 100 años de edad y una carrera profesional de más de 130 películas como director. Además de dirigir, a Corman le gustaba hacer cameos en casi todas sus obras, excepto en esta; aunque también apareció en películas de Hollywood, llegando a tener breves papeles en "Philadelphia", "Apolo XIII" y "El silencio de los corderos".

"The Wasp Woman" se enmarca en el momento álgido de la carrera de Roger Corman, coincidiendo con el estreno de su mayor éxito, "The Little Shop of Horrors". Los años 50 fueron una época dorada para el cine de serie B, marcada por el auge de películas de terror y ciencia ficción de bajo presupuesto. Surgieron entonces compañías independientes como Santa Cruz Productions, que produjo solo tres películas, siendo esta la última de la trilogía.

"The Wasp Woman" adapta una de las historias de ciencia ficción de Kinta Zertuche, y busca reflejar el miedo a los avances de la ciencia y la obsesión por la juventud en los años de la posguerra. Además, intenta plantear cuál es el precio de la ambición empresarial y el riesgo de desafiar las leyes de la naturaleza.

Y ya hablando de la película en sí, cumple con todos los tópicos del cine de serie B clásico: un título que es un spoiler en sí mismo, un cartel que no tiene nada que ver con lo que se ve en pantalla, una historia predecible, actores sobreactuados y reutilización de escenas.

Pero si siendo benevolentes, hay que reconocerle a Corman que consiguió un producto decente con apenas presupuesto. Usó una canción pegadiza para enfatizar cada transformación, el maquillaje, aunque rudimentario, funciona bien, y la elección del blanco y negro (supongo que por presupuesto) en realidad es un acierto y le sienta bien a la película.

Lo que no le perdono a Corman es ese final tan abrupto, supongo que le acabo el presupuesto.

Obviamente, "The Wasp Woman" no es una gran película, pero sí un ejemplo representativo de lo que era el cine de segunda categoría en los años 50. Si te gusta el género, simplemente siéntate y disfrútala.

----------------------------------------

* ¿Qué es lo que más te ha gustado?
Que la película sea corta.

* ¿Qué es lo que menos te ha gustado?
El final forzado. Si pestañeas te lo pierdes.

* ¿Qué título alternativo le pondrías?
"La avispa reina de los cosméticos"

RaMell Ross escoge, para su primer largometraje, adaptar "Nickel Boys", aclamada novela de Colson Whitehead que narra la poderosa amistad entre dos jóvenes en un reformatorio de Florida durante la era de la segregación.

"Nickel Boys" tiene un enfoque y un estilo propios, empleando la perspectiva en primera persona durante toda la película, alternando entre los dos protagonistas, Elwood y Turner, a la vez que va intercalando imágenes documentales.

Un estilo muy atrevido, que a mí no me ha acabado de convencer, y que al sumarle la larga duración, y la falta que contexto inicial, hace que en muchas ocasiones se pierda el ritmo. Sin embargo, hay que reconocer que la historia que narra es muy interesante, a la vez que dura y dramática.

Entiendo el estilo de RaMell Ross buscando la forma más eficaz de transmitir el dolor de los protagonistas. Pero a mí me hubiese convencido un estilo más convencional.

La francesa Coralie Fargeat (Revenge, Sandman) consigue llegar a los Oscars con "La Sustancia", una atrevida película de crítica social en un inesperado formato de terror corporal.

Tenía mis dudas sobre si ver la película, pues el genero del terror corporal me echa hacia atrás. Pero las buenas críticas, y la nominación a los Oscar me animaron, y ciertamente, es una buena película. Es una buena sátira sobre la obsesión por la juventud y la belleza en la industria del entretenimiento.

Además, Demi Moore brilla como no recuerdo haberla visto antes. Su papel y sus desnudos son realmente atrevidos. A esto se le suma a fotografía increíblemente cuidada e impactante.

Por otro lado, me ha parecido que peca de tener un metraje demasiado largo. Y ya en lo personal, la partes de terror corporal he tenido que mirar para otro lado, y agradezco que haya sido pocos minutos.

Sabiendo ya que las partes de horror no me iban a gustar, el resto de la película es impactante, y creo que se ha convertido en una película de culto por derecho propio, siendo la película más controvertida del año. Yo mismo, sin gustarme el genero de terror, he de reconocer que es gran film.

"Dune: Parte Dos" es, obviamente, la segunda parte de la trilogía por Denis Villeneuve, que adapta la saga de Frank Herbert. Una muy esperada secuela para los que vimos la primera parte, casi tres años, para volver a recordar el complejo universo de Arrakis.

Recuerdo la primera parte algo decepcionante en el punto narrativo, pues son casi tres horas para solo una introducción. Afortunadamente, en esta segunda entrega podemos disfrutar de las aventuras de Paul Atreides, quien se une a Chani y los Fremen en su búsqueda de venganza contra los Harkonnen, pudiendo disfrutar de los míticos gusanos de arena, así de como de las batallas. Aunque también hay que reconocer que tres horas de película siguen haciéndose duras.

Más allá del argumento, que ya lo conocemos, "Dune: Parte Dos" mantiene la impresionante escala y ambición cinematográfica de la primera película. Villeneuve crea un verdadero espectáculo visual, con una ejecución técnica impecable. La fotografía es deslumbrante, consigue transmitir la majestuosidad y hostilidad del desierto de Arrakis. Y la banda sonora del maestro Hans Zimmer, complementa perfectamente la atmósfera opresiva y mística del filme, como cabría esperar.

"Dune: Parte Dos" es una verdadera superproducción moderna, que rompe el dicho que segundas partes no son buenas. Lo único tener que volver a esperar otros tres años para ver el final de la saga.

El director Sacha Gervasi (La terminal) se atreve a realizar el biopic de uno de los directores más icónicos de cine clásico, "Hitchcock", adaptando la novela biográfica escrita por Stephen Rebello, donde se relata como se fraguó una de sus obras más exitosas, "Psicosis".

Tenía ganas de ver este biopic, especialmente para conocer la personalidad detrás de las cámaras. El guion de la película hace un buen equilibrio entre como fue la odisea personal de Hitchcock contra Hollywood para rodar "Psicosis", y su vida personal, sus lados oscuros, y su tensa relación con Alma Reville. El relato es muy interesante y tiene buen ritmo, aunque me decepciono un poco conocer solo ese momento tan concreto de su vida, y que no sea un biopic más extenso.

Aunque era difícil ponerse en la piel de Hitchcock, Anthony Hopkins está genial, captura su esencia excéntrica y obsesiva del director, y gracia a la carnetización llega a estar irreconocible. Helen Mirren, Scarlett Johansson y Jessica Biel también brillan con grandes interpretaciones

Una de las cosas que me ha gustado es como Sacha Gervasi ha cuidado el diseño y la fotografía para hacer multitud de guiños a la imagen popular que tenemos de "Hitchcock". El diseño de producción recrea perfectamente la época dorada de Hollywood. La banda sonora consigue evocar el suspense característico del cine del director británico.

"Hitchcock" no es una gran obra, pero es muy entretenida y cuenta con grandes actuaciones. Totalmente recomendable para los seguidores del director.