Para mí, la más floja de todas. Se nota que ya han pasado los 50 casi todos y ya no están para las cafradas que hacían antes, salvo algún momento puntual, y tiran mucho más de la escatología, que siempre estuvo ahí en Jackass, pero me dio la sensación de que aquí está mucho más presente. También creo que las nuevas incorporaciones aportan poco y no tienen ni de lejos el carisma de los originales.

Lo mejor, al ser, en teoría, la última, es que tiran bastante de vídeos de archivo para recordar algunos de sus mejores momentos, como el del cochecito y la radiografía o el del cohete, además de mostrar escenas que fueron prohibidas cuando Jackass se emitía en MTV. Y podemos volver a ver a Ryan Dunn en esas imágenes, algo que siempre se agradece.

Pero aun así, siempre es divertido volver a ver a Johnny Knoxville, Steve-O, Chris Pontius, Wee Man, Dave England, Ehren, Preston Lacy y compañía haciendo el imbécil. Y quizás ese sea el verdadero motivo de ver esta película: más que una nueva entrega, es una despedida y una excusa para volver a juntarnos con unos tipos que llevan más de 25 años haciendo el cafre.

La idea no es que sea de lo más original. Un viajero de un futuro postapocalíptico viaja al pasado para intentar salvar el futuro en el presente. Hola, John Connor. Pero lo que sí consigue Gore Verbinski es contarlo de una forma muy divertida, pero también bastante realista.

Aquí nos sumergimos en un mundo completamente dependiente de la tecnología, con jóvenes pegados al móvil, la violencia institucionalizada en los colegios de Estados Unidos, el uso de la realidad virtual para escapar de nuestra propia realidad, la clonación y, por supuesto, las consecuencias del abuso de la IA. Todo esto, en mayor o menor medida, está ya presente en nuestro día a día y es lo que da realmente miedo.

Nuestro salvador venido del futuro es un Sam Rockwell que parece salido de la dimensión de 12 Monos y está igual de desquiciado que James Cole, aunque con un punto más de humor. Lleva cientos de intentos en un bucle temporal tratando de salvar el mundo y siempre acaba apareciendo en una cafetería para reclutar a los soldados que le ayudarán en su misión. Aquí tenemos a un variopinto grupo de personajes interpretados por Juno Temple, Zazie Beetz, Michael Peña o Haley Lu Richardson que, aunque al principio no se creen demasiado sus historias, poco a poco irán entrando en su juego y descubriendo que quizá todo lo que cuenta no sea tan locura como parece.

Los momentos en los que conocemos las historias de este variopinto grupo son de lo mejor de la película y ayudan a que vayamos viendo que ese futuro ya empieza a tomar forma. Además, la historia va ganando en suspense a medida que avanza, con ciertas dosis de violencia, surrealismo (el momento centauro/gato es muy wtf?) , humor y un final que te deja con ganas de más.

Es una buena mezcla de bucles temporales con futuro postapocalíptico que, aunque puede recordar a otras películas, lo cuenta de una forma tan original, divertida y, sobre todo, tan cercana a nuestra realidad que a mí me ha hecho pasar un gran rato.

No soy ningún experto en literatura clásica, pero sí sabía que La Odisea narra el regreso a casa del héroe griego Odiseo (Ulises) tras la Guerra de Troya, en la que estuvo diez años. Lo que no conocía tan bien eran todas las penurias y aventuras que tiene que superar durante ese viaje. Sabía lo del caballo de Troya, Circe, el cíclope Polifemo, lo del telar y la prueba del arco o el perro Argos, pero otras partes me sonaban menos. Aun así, creo que para disfrutar de esta versión de Nolan tampoco hace falta conocer la obra al dedillo.

Christopher Nolan cuenta la historia desde dos frentes. Por un lado, vemos lo que sucede en Ítaca durante la ausencia de Odiseo, con Penélope rechazando a sus pretendientes durante años y Telémaco buscando cualquier pista que le permita encontrar a su padre. Por el otro, seguimos el largo viaje de regreso de Odiseo y su tripulación, enfrentándose a dioses, monstruos y toda clase de penurias mientras intentan volver a casa.

Como no podía ser de otra forma, visualmente es potentísima. Nolan vuelve a demostrar que sabe hacer cine a lo grande, con espectaculares escenas de batalla, grandes planos de paisajes y escenas en el mar que transmiten la furia de Poseidón. Todo ello acompañado por una banda sonora atronadora que hacía retumbar toda la sala del cine. Entre los grandes planos y la música no tienes un segundo de respiro; estás en tensión prácticamente toda la película. De hecho, fue lo primero que comentamos al salir del cine: qué sensación de relajación al terminar. En el apartado visual y sonoro, cero pegas.

Quizá mi único "pero" es que esperaba sentir algo más de épica durante el viaje. Sí, Odiseo supera un montón de obstáculos, pero en algunos momentos me faltó esa sensación de estar viviendo una gran epopeya. Nolan apuesta más por la introspección y las reflexiones del personaje que por la aventura pura y dura. Tampoco me terminó de convencer el diseño de Agamenón; esa armadura me sacaba un poco de la película. Aun así, la batalla final es brutal y deja un gran sabor de boca para las casi 3 horazas que dura, así que, para mí, es una adaptación muy potente y sigue dejando a Nolan como uno de los directores que mejor mano tienen para convertir cualquier historia en un espectáculo que merece ser visto en cine.

Simpática comedia sobre un deporte que ni siquiera sabía que existía: el pickleball, que, por lo que me he enterado, viene a ser una especie de mezcla entre tenis y pádel con pelotas de plástico que está arrasando entre la gente mayor en Estados Unidos... otra lacra como la que tenemos aquí con el pádel jajaja.

Dusty (Jake Johnson) fue una joven promesa del tenis, pero nunca terminó de dar el salto al profesionalismo y ahora trabaja en el club de tenis de su padre (Ed Harris). Vive rememorando sus viejas hazañas, dando clases y renegando del pickleball, al que considera un deporte menor. Todo cambia cuando recae de una antigua lesión de muñeca y su médico le recomienda practicar precisamente ese deporte para recuperarse. Allí conoce a una mujer recién divorciada (Mary Steenburgen), bastante mayor que él, con la que termina haciendo muy buenas migas y ya veremos si algo más.

La película es la típica historia de un personaje inmaduro que, tras llevarse un golpe de realidad, tiene que empezar a madurar y enfrentarse tanto a la complicada relación con su padre como a sus propias frustraciones. Parte de ese proceso es gracias al personaje de Mary Steenburgen, la eterna novia de Emmet Brown, que vuelve a demostrar su enorme simpatía en pantalla. Además, el reparto está lleno de caras conocidas como Ben Stiller, Patton Oswalt, Chris Parnell, Christine Taylor o Martin Kove, además de los simpáticos cameos de Andy Roddick y John McEnroe.

No reinventa la rueda, y muchas cosas se ven venir, pero tiene un tono amable, unos personajes bastante simpáticos y se deja ver con una sonrisa.

Pues para ser una película de la serie de The Mandalorian, no aporta mucho la verdad. Uno espera que, al pasar al formato grande, haya más revelaciones, una historia más ambiciosa o acontecimientos importantes para el universo de Star Wars, pero no deja de ser un episodio más de la serie, pero más largo.

Es verdad que los efectos se ven mejor. Y eso que en la serie ya eran de por sí muy buenos y sigue sonando la fantástica banda sonora de Ludwig Göransson, con ese gran tema principal que me gusta tanto, pero esa mezcla en algunos momentos con bases electrónicas y sintetizadores no me ha terminado de convencer; en algunos momentos me sacaba un poco de la película porque no me pegaba nada

Como digo, la trama es bastante sencilla. Mando y Grogu aceptan un encargo de la Nueva República, que está intentando limpiar la galaxia de los altos mandos que quedan del Imperio, un poco como ocurrió tras la Segunda Guerra Mundial con los nazis. A partir de una misión, las cosas empiezan a torcerse y ambos se ven arrastrados de un problema a otro con tiempo de sobra para que Pedro Pascal y, sobre todo, el adorable Grogu tengan tiempo para lucirse.

Si te gusta la serie madre, te va a gustar, sigue teniendo todo lo que la hizo disfrutable, pero si esperas que el salto al cine suponga un antes y un después para la franquicia, te vas a llevar un chasco.

Obsession nos cuenta la historia de Bear, un chico tímido, algo depresivo y bastante pagafantas, que lleva años enamorado de Nikki sin atreverse nunca a confesarle lo que siente. Su amigo Ian no deja de animarle a dar el paso, mientras él es incapaz de darse cuenta de que quizá quien realmente siente algo por él es su amiga Sarah.

Un buen día, Bear entra en una tienda de antigüedades y encuentra el llamado "Sauce de los deseos", una pequeña rama que, al partirla, concede aquello que desees. Y, cuál Homer Simpson, decide utilizarla sin pararse a pensar ni un segundo en las consecuencias.

A partir del deseo de Bear, Nikki pasa a estar enfermizamente enamorada de él. Pero enseguida descubrimos que esa no es la auténtica Nikki. La película deja entrever que su verdadera conciencia ha quedado atrapada en una especie de limbo o dimensión paralela, desde donde contempla impotente cómo otra versión de sí misma actúa en contra de su voluntad e intenta desesperadamente recuperar el control de su propio cuerpo.


Al principio puede hacer cierta gracia esa obsesión, ese enamoramiento repentino, pero conforme avanza la película todo se vuelve mucho más incómodo, turbio y perturbador. Curry Barker juega constantemente con la iluminación y las sombras para transmitir esa sensación de que algo no encaja. La parte visual es de lo que más me ha gustado. Por desgracia y, aunque son impactantes, se ven venir las muertes de los dos amigos.

Pero, por encima de todo, sobresale la interpretación de Inde Navarrette. Consigue transmitir esa vulnerabilidad de no ser ella , desesperación y, al mismo tiempo, resultar inquietante cuando la Nikki enamorada toma el control . Frente a ella, Michael Johnston funciona como ese Bear cobarde, que por no atreverse a confesar sus sentimientos acaba viéndose completamente superado por las consecuencias de un deseo que creyó inofensivo.

Y es que, al final, Obsession habla de algo muy sencillo: no se puede hacer que alguien te quiera contra su voluntad. Porque un amor impuesto deja de ser amor para convertirse en una prisión.

De cuando Charlie Sheen hacía buenas películas y aún no se había perdido en los vicios.

La historia sigue a Chris Taylor (Charlie Sheen), un joven voluntario que abandona una vida acomodada para alistarse y luchar en Vietnam. Cuando llega al frente se da de frente con una realidad muy distinta a la que imaginaba: marchas interminables por la jungla, emboscadas, miedo constante y unos soldados que pasan de todo y se pasan buena parte del tiempo colocados. Pero lo peor es que dentro del propio pelotón hay incluso más tensión que con los charlies, ya que la tropa está dividida entre los dos sargentos de la unidad: Elias (Willem Dafoe), más idealista y carismático, y el psicópata de Barnes (Tom Berenger).

La tensión entre Elias y Barnes representa dos maneras completamente diferentes de afrontar el combate, donde la línea entre el bien y el mal parece cada vez más difusa. Mientras uno intenta conservar algo de humanidad y cuidar a los novatos, el otro hace tiempo que la dejó atrás. Y en medio de ambos queda Chris, obligado a decidir a cual de los dos seguir.

Willem Dafoe y Tom Berenger están tremendos dando vida a esos dos sargentos enfrentados, y Charlie Sheen funciona muy bien como ese soldado novato e inocente que tiene que madurar a marchas forzadas. Además, aparecen un buen puñado de caras conocidas como Forest Whitaker, John C. McGinley, Kevin Dillon, Francesco Quinn, Tony Todd o un jovencísimo Johnny Depp.

Además, visualmente, sigue siendo muy cruda a pesar de los años. Oliver Stone consigue que la jungla se convierta en un enemigo más, un lugar donde el peligro puede aparecer en cualquier momento, con los soldados con los nervios a flor de piel. Las escenas de combate transmiten perfectamente esa sensación de caos, especialmente la batalla final con la carga de los vietnamitas contra las trincheras estadounidenses. Y, por supuesto, es imposible no acordarse de la mítica escena de Elias mientras suena el Adagio for Strings de Samuel Barber, una de las imágenes más icónicas del cine bélico.

¿Qué es lo que más te ha gustado?
Los momentos de batallas, la banda sonora, los momento icónicos que tiene
¿Qué es lo que menos te ha gustado?
El desenlace del sargento Elias
¿Qué título alternativo le pondrías?
Elias vs. Barnes

Grabbers es de esas películas que mientras la estas viendo, sabes que es mala, pero que acaba haciéndote reír por lo loca que es su idea. Y la verdad, con un guion así es difícil no hacerlo.

La historia se desarrolla en un pequeño pueblo costero de Irlanda, donde cae del espacio una criatura con aspecto de pulpo que se alimenta de sangre. El gran descubrimiento llega cuando las autoridades se dan cuenta de que su punto débil es el alcohol. Y claro, en un pueblo irlandés eso se convierte en una fiesta, ya que les gusta darle al pimple bien.

Con esta información, el policía local, que vive bastante entregado a la bebida desde que perdió a su mujer, una agente recién llegada de la ciudad que nunca se ha emborrachado, el forense, un pescador borrachuzo y el dueño del pub deciden refugiarse en la taberna del pueblo. La solución es tan absurda como divertida: organizar un botellón colectivo para mantener a todo el mundo lo suficientemente pedo como para que el monstruo no pueda alimentarse de ellos.

A partir de ahí la película se convierte en una comedia de terror de serie B bastante consciente de sí misma. Tiene personajes muy estereotipados, pero simpáticos; unos efectos especiales más que resultones para su presupuesto; y varias escenas de ataque del monstruo que, sin ser especialmente terroríficas, funcionan bien dentro del tono desenfadado de la película.

¿Qué es lo que más te ha gustado?
Los mini pulpitos son simpaticos. El pescador borrachuzo es un punto.
¿Qué es lo que menos te ha gustado?
Le cuesta arrancar y no te acaba de enganchar al principio.
¿Qué título alternativo le pondrías?
Pulperatu

La historia sigue a Fujino, una estudiante de primaria que dibuja una tira cómica para el periódico del colegio y que está convencida de que es buenísima. Todo cambia cuando Kyomoto, una chica muy tímida que apenas sale de casa, publica una tira con un nivel de dibujo casi profesional. Eso hace que Fujino se pique y ponga todo su empeño en mejorar, pero lo que al principio nace como una rivalidad, acaba convirtiéndose en una amistad unida por una misma pasión: dibujar manga.

A partir de ahí veremos cómo se va forjando esa amistad con los años. Ganan concursos, empiezan a ser reconocidas, nace una enorme admiración mutua y se aprecia el esfuerzo constante que ambas hacen por mejorar. También vemos como Fujino consigue sacar poco a poco a Kyomoto de su burbuja y darle la confianza suficiente para afrontar el mundo exterior. Tanto lo consigue que, llegado un momento, sus caminos terminan separándose un poco abruptamente: una decide perseguir el sueño de convertirse en mangaka profesional, mientras la otra quiere perfeccionar su técnica en la universidad.

Pero Look Back también es una historia de madurez, sobre la superación personal, sobre cómo una sola persona puede cambiar por completo el rumbo de tu vida y, sobre todo, sobre el arrepentimiento. Hay un momento bastante duro que cambia por completo el tono de la película y hace que una de las protagonistas se plantee un "¿y si...?".

El dibujo de Tatsuki Fujimoto tiene ese estilo a medio camino entre lo limpio y lo sucio, pero muy expresivo. La animación transmite mucha naturalidad en los pequeños gestos y la banda sonora acompaña perfectamente ese tono melancólico que envuelve toda la película.


¿Qué es lo que más te ha gustado?
Los pequeños guiños a Chainsaw Man. Al ser un medio metraje, no llega a una hora. La animación está chula.
¿Qué es lo que menos te ha gustado?
Que se veía venir que no iba a acabar bien
¿Qué título alternativo le pondrías?
La tira no tan cómica.